Movie Log

제이슨 스타뎀 영화를 고르는 기준이 '스토리'인 분, 솔직히 계십니까? 저도 처음엔 그랬습니다. 그런데 〈쉘터〉를 보고 나서 생각이 조금 달라졌습니다. 액션 영화에서 타격감과 서사 완성도, 둘 다 원한다면 어떤 걸 포기해야 하는지 — 이 영화가 꽤 명확하게 답을 줬거든요. 기대했던 타격감, 실제로는 어땠나 제이슨 스타뎀 영화를 틀 때마다 드는 걱정이 있습니다. 혹시 이번엔 액션보다 드라마 비중이 높은 건 아닐까 하는 거죠. 〈쉘터〉는 그 걱정을 초반 30분 안에 날려줬습니다. 제가 직접 봤는데, 조용하고 잔잔하게 시작하다가 갑자기 터지는 근접 육탄전 장면에서 등받이에서 몸이 앞으로 쏠렸습니다. 그 순간의 밀도감은 예상 밖이었습니다. 이 영화에서 가장 인상 깊었던 건 근접전투(Close Quarters Combat, CQC) 방식입니다. CQC란 좁은 공간에서 맨몸이나 간단한 도구만으로 적을 제압하는 전투 기술로, 특수부대 훈련에서 기초로 다루는 개념입니다. 체인, 문짝, 주방 도구까지 주변에 있는 것들을 다 무기로 활용하는 장면들이 연속으로 나오는데, 이른바 임프로바이즈드 웨폰(Improvised Weapon) — 즉 즉석 무기 활용 전투 — 의 묘미가 살아 있었습니다. 헐리우드 대형 액션처럼 폭발물이 난무하는 대신, 근육과 속도로만 해결하는 아날로그 감각이 분명한 개성으로 작동했습니다. 이런 스타일은 제이슨 스타뎀이라는 배우가 가진 피지컬 퍼포먼스(Physical Performance) — 배우가 대역 없이 직접 신체 연기를 수행하는 것 — 와 맞닿아 있습니다. 그가 실제 무술 및 다이빙 선수 출신이라는 배경이 장면마다 체감됩니다. 그냥 멋있어 보이려는 동작이 아니라, 무게감이 실린 움직임이라는 게 스크린에서 고스란히 전달됩니다. 솔직히 이건 예상 밖이었습니다 — 최근 몇 편의 스타뎀 영화가 액션 밀도 면에서 좀 아쉬웠거든요. 주말 오후에 부담 없이 틀어놓기 좋은 영화라는 말이 왜 나오는지 이해했습니다. 러닝타임 내내 군더더기 설명 ...

재난 생존 스릴러인 줄 알고 들어갔다가 어느 순간 총격전 한복판에 앉아 있는 자신을 발견한 적 있으신가요? 영화 〈플레인〉이 딱 그런 작품입니다. 저도 처음엔 반신반의하며 자리에 앉았는데, 개봉 이후 '제라드 버틀러표 믿고 보는 액션'이라는 평이 끊이질 않길래 결국 화면 앞으로 끌려갔습니다. 107분이 어떻게 지나갔는지 모를 정도였습니다. 비상착륙 시퀀스, 이 장면 하나로 절반은 먹고 들어갑니다 솔직히 이건 예상 밖이었습니다. 통상 이런 장르의 영화라면 비행기 장면을 짧게 넘기고 본론인 지상 액션으로 넘어가기 마련인데, 〈플레인〉은 초반 30여 분을 오직 비행기 안에서만 소진합니다. 그것도 폭풍우 속 비상 착륙이라는 하나의 장면에 집중하면서요. 이 장면에서 가장 인상 깊었던 건 조종석 내부의 연출 방식입니다. 영화는 조종실(Cockpit) — 항공기에서 조종사가 탑승해 비행을 조작하는 전방 격실 — 을 클로즈업하면서, 계기판 수치와 기체의 물리적 흔들림을 동시에 잡아냅니다. 덕분에 관객 입장에서는 상황을 머리로 이해하는 것이 아니라 몸으로 먼저 느끼게 됩니다. 제가 직접 봤는데, 좌석이 흔들리는 착각이 들 정도였습니다. 항공 업계에서 실제로 쓰이는 비상 절차 매뉴얼인 비상 운항 절차(Emergency Operating Procedure) — 기체 이상이나 기상 악화 시 조종사가 따르는 표준 대응 지침 — 를 영화가 얼마나 정확하게 반영했는지는 전문가가 아닌 저로서는 단언하기 어렵습니다. 하지만 적어도 화면에서 전달되는 긴장감만큼은 다큐멘터리 수준의 현실감을 품고 있었습니다. 국제민간항공기구(ICAO) 에 따르면 악기상 조건에서의 비상 착륙은 민간 항공 사고의 주요 원인 중 하나로 꼽힐 만큼 실제로도 극도의 기술적 판단이 요구되는 상황입니다. 그 무게감을 영화는 꽤 설득력 있게 담아냈습니다. 제라드 버틀러의 아날로그 액션, 왜 지금 이게 반갑냐면 CGI(컴퓨터 그래픽 이미지) — 컴퓨터로 생성된 시각 효과로, 현대 영화에서 폭발·격투...

가을이 시작되는 9월, 영화관 앞에서 뭘 볼지 고민하다가 결국 직감으로 골라든 작품이 있습니다. 존 카니 감독의 신작 〈싱 어게인〉이었는데, 극장을 나오면서도 메인 곡 멜로디가 머릿속에서 떠나질 않았습니다. 이 글은 그 여운을 붙잡아두고 싶어서 쓴 솔직한 후기입니다. 존 카니가 돌아왔다, 그것만으로도 충분한 이유 〈원스(Once)〉와 〈싱 스트리트(Sing Street)〉를 본 사람이라면 존 카니라는 이름 앞에서 자연스럽게 기대가 올라갈 수밖에 없습니다. 저도 그 두 편을 여러 번 돌려봤던 터라, 이번 〈싱 어게인〉 소식을 들었을 때 9월 2일 개봉일을 달력에 표시해뒀을 정도였습니다. 그때 느낀 건 단순한 기대감이 아니라, 오랜 친구가 새 앨범을 들고 나타난 것 같은 반가움에 가까웠습니다. 존 카니 감독은 소위 다이어제틱 뮤직(Diegetic Music) 기법을 특기로 삼는 감독입니다. 다이어제틱 뮤직이란 영화 속 인물들이 실제로 연주하거나 부르는 음악이 그대로 사운드트랙이 되는 방식으로, 배경음악과 극 중 현실이 구분 없이 하나로 녹아드는 연출입니다. 〈원스〉에서 두 남녀가 악기를 맞들고 즉흥 연주를 하던 그 장면이 대표적이죠. 〈싱 어게인〉에서도 이 기법은 여전히 살아 있고, 솔직히 그것 하나만으로도 입장료가 아깝지 않았습니다. 주연을 맡은 폴 러드(Paul Rudd)와 닉 조나스(Nick Jonas)가 대역 없이 직접 기타를 치고 노래를 부른다는 점도 인상적이었습니다. 제가 직접 영화를 보면서 느낀 건, 손가락 움직임이나 코드 전환이 어설프지 않다는 것이었는데 실제로 두 배우 모두 촬영 전 수개월간 기타 레슨을 받았다고 합니다. 카메라가 손을 클로즈업해도 이질감이 전혀 없어서, 극의 몰입도가 훨씬 높아졌습니다. OST 한 곡이 어떻게 팝 차트 1위가 되는가 이 영화의 핵심은 한 곡에 있습니다. 'How to Write a Song (Without You)'이라는 제목의 이 곡은, 영화 초반에는 녹음실 한편에서 홀로 끙끙대며 만...

로봇이 주인공인 뮤지컬이 사람을 울릴 수 있을까요? 저도 처음엔 반신반의했습니다. 차갑고 기계적인 소재로 어떻게 감정을 건드릴 수 있을지 솔직히 의심스러웠는데, 막이 내릴 무렵엔 눈물을 훔치고 있었습니다. 뮤지컬 은 인공지능 헬퍼봇(Helper Bot, 인간의 일상을 보조하도록 설계된 가정용 로봇)이 주인공인 작품입니다. 버려진 구형 로봇 두 대의 이야기가 어떻게 가장 인간적인 사랑 이야기가 되는지, 지금부터 차근차근 들여다보겠습니다. 왜 하필 '구식 로봇'인가 — 작품의 배경과 맥락 여러분은 뮤지컬을 고를 때 어떤 기준으로 선택하시나요? 저는 원작의 명성보다는 소재의 낯섦에 끌리는 편인데, 이 작품은 두 가지를 모두 갖추고 있었습니다. 브로드웨이에서 입소문을 타고 국내에 상륙한 은 박천휴 작가가 영어로 집필하고, 한국 창작진이 함께 만든 독특한 이력을 가진 작품입니다. 한국 창작 뮤지컬이 브로드웨이에 역수출된 드문 사례이기도 합니다. 작품의 배경은 가까운 미래 서울입니다. 헬퍼봇 올리버와 클레어, 구형 모델로 분류되어 폐기 직전에 놓인 두 로봇이 우연히 같은 공간에 머물면서 이야기가 시작됩니다. 흥미로운 건 무대 위 세계관입니다. 첨단 미래를 배경으로 하면서도, 무대엔 낡은 LP판, 화분, 빛바랜 잡지 같은 아날로그 오브제(objet, 예술적 의도를 가지고 배치된 사물)들이 가득합니다. 이 레트로(retro, 과거의 양식이나 감수성을 현재에 되살리는 표현 방식)한 소품들이 낡고 버려진 로봇의 처지와 겹치면서 묘한 정서적 공명을 만들어냅니다. 실제로 이 작품을 관람한 분들의 이야기를 들어보면, 가장 먼저 언급하는 장면이 LP판 위에 올라가는 바늘 소리와 함께 흐르는 첫 노래 장면이라고 합니다. 저도 그 장면에서 '아, 이 작품이 단순한 SF가 아니구나'를 직감했습니다. 한국콘텐츠진흥원 이 발표한 2023년 공연 산업 백서에 따르면, 국내 창작 뮤지컬 중 해외 제작진과의 공동 창작 작품이 흥행 상위권에 오르는 비율이 꾸준히 ...

솔직히 이건 예상 밖이었습니다. '사적 복수'라는 소재 때문에 통쾌한 응징 장면을 기대하며 극장에 들어갔는데, 나오면서 눈가를 훔치게 될 줄은 몰랐습니다. 영화 《경주기행》은 자극적인 복수극을 원하는 관객과 따뜻한 가족 드라마를 원하는 관객 모두를 동시에 붙잡는 드문 작품입니다. 연기: 구멍 없는 네 모녀의 앙상블 제가 직접 관람하고 나서 가장 먼저 꺼낸 말이 "저 네 명 진짜 자매 아니야?"였습니다. 그만큼 이정은, 공효진, 박소담, 이연이 만들어낸 앙상블(ensemble), 즉 여러 배우가 하나의 호흡으로 빚어내는 집단 연기의 조화가 완벽에 가까웠습니다. 앙상블이란 개별 연기의 합산이 아니라 배우들이 서로 주고받는 반응과 긴장감 자체가 연기가 되는 방식을 말합니다. 이 영화에서는 그게 그대로 구현됩니다. 이정은이 보여주는 건 단순한 '화난 엄마'가 아닙니다. 광기와 슬픔이 실핏줄처럼 뒤엉킨 모성애인데, 그 감정의 밀도가 한 장면 한 장면마다 다릅니다. 웃다가 갑자기 눈물이 차오르는 표정을 보면서 저는 그게 연기라는 사실을 잠깐 잊었습니다. 이런 연기를 두고 업계에서는 흔히 '카멜레온형 퍼포먼스'라고 부릅니다. 카멜레온형 퍼포먼스란 한 인물 안에서 복수의 감정 레이어(layer)를 층층이 쌓아 올리는 방식을 뜻합니다. 쉽게 말해, 같은 눈빛인데 장면마다 의미가 달라 보이는 연기입니다. 공효진·박소담·이연의 티격태격하는 자매 케미스트리도 빼놓을 수 없습니다. 봉고차 안에서 단체 티를 맞춰 입고 어설프게 작전을 짜다가 삑사리를 내는 장면은, 블랙 코미디(black comedy), 즉 어둡고 무거운 현실을 유머로 비틀어 내는 장르 기법이 얼마나 생활감 있게 구현될 수 있는지를 제대로 보여줍니다. 저는 그 장면에서 생각보다 훨씬 크게 웃었고, 그게 오히려 나중에 후반부 감정을 더 세게 만들었습니다. 복수극: 도파민 대신 선택한 것 《경주기행》이 여타 사적 복수 장르 영화와 결정적으로 다른 지...

215분. 이 숫자 하나가 영화를 볼지 말지 결정하게 만듭니다. 《더 브루탈리스트》는 중간에 15분 인터미션(intermission)까지 포함하면 체감 상영 시간이 거의 4시간에 육박합니다. 솔직히 처음 이 수치를 접했을 때 저도 잠깐 망설였습니다. 그런데 막상 여러 감상 후기를 종합해보고 나니, 이 영화가 왜 지금 이 시점에 나와야 했는지가 조금씩 보이기 시작했습니다. 215분이라는 러닝타임, 그 자체가 하나의 선언이다 《더 브루탈리스트》의 상영 시간은 단순한 수치가 아닙니다. 감독 브래디 코벳은 70mm 필름(70mm film)이라는 포맷을 선택했습니다. 70mm 필름이란 일반 디지털 영사 방식과 달리, 실제 필름 롤을 사용하는 아날로그 촬영 매체로 화면 비율과 해상도가 훨씬 넓고 세밀합니다. 1960~70년대 대작 영화에 주로 쓰이던 방식인데, 현대 상업 영화에서는 크리스토퍼 놀란 감독 정도가 꾸준히 고집하는 포맷이기도 합니다. 여러 북미 관람객 후기를 보면 공통적으로 등장하는 단어가 있습니다. '웅장함'입니다. 인터미션(intermission), 즉 상영 중간의 공식 휴식 시간이 15분 주어지는데, 이 구조 자체가 《대부》나 《아라비아의 로렌스》처럼 고전 대서사시를 극장에서 경험하는 것과 동일한 감각을 만들어냅니다. 숏폼 콘텐츠가 지배하는 지금 시대에, 관객에게 생각을 정리할 물리적 시간을 강제로 제공한다는 발상 자체가 일종의 도발처럼 느껴집니다. 제가 보기에 이 러닝타임은 감독이 관객에게 던지는 일종의 질문입니다. "당신은 4시간을 버틸 의지가 있습니까?" 그 질문에 답하고 입장한 사람들이 압도적 몰입감을 경험했다는 건, 어쩌면 당연한 결과인지도 모릅니다. 에드리언 브로디의 연기, 그리고 브루탈리즘 건축이 만나는 지점 에드리언 브로디가 연기한 라슬로 토트는 헝가리 출신 유대인 건축가입니다. 그가 추구하는 건축 양식이 바로 브루탈리즘(Brutalism)입니다. 브루탈리즘이란 콘크리트를 그대로 노출하고 장식을...

영화관 가기 전에 러닝타임 검색해봤다가 172분을 확인하고 잠깐 고민했습니다. 밥도 먹어야 하고, 중간에 화장실 갈 타이밍도 계산해야 하고. 그런데 막상 자리에 앉고 나서 그 걱정이 얼마나 쓸데없었는지, 크레딧이 올라가는 순간에야 실감했습니다. 크리스토퍼 놀란의 신작 <오디세이>, 비주얼은 압도적인데 각본에서는 아쉬움이 남는 작품입니다. 두 가지를 솔직하게 짚어보겠습니다. IMAX 70mm 필름으로 찍은 고대 신화, 숫자로 확인된 흥행 개봉 첫날 박스오피스 1위, CGV 에그지수 97%, 네이버 실관람객 평점 9점대 후반. 이 정도 수치면 흥행 여부를 두고 더 논할 게 없습니다. 박찬욱, 황동혁 감독을 비롯한 국내외 영화인들의 찬사가 이어졌고, 극장가는 오랜만에 활기를 되찾았습니다. 그런데 저는 이 숫자들보다 영화가 어떤 방식으로 찍혔는지에 더 관심이 갔습니다. <오디세이>는 전편을 IMAX 70mm 필름으로 촬영했습니다. IMAX 70mm 필름이란 일반 35mm 필름보다 네 배 이상 큰 화면 면적을 가진 촬영 포맷으로, 디지털 방식과 달리 광학적 해상도가 극도로 높아 화면에 밀도감과 질감이 살아납니다. 쉽게 말해, 스크린을 가득 채우는 장면 하나하나가 '사진처럼 선명하다'는 느낌이 아니라 '직접 그 공간에 있는 것처럼 입체적이다'는 느낌을 줍니다. 호이테 반 호이테마 촬영감독이 이 포맷을 놀란과 함께 십분 활용한 덕분에, 고대 지중해의 풍경이 스크린 밖으로 쏟아지는 듯한 인상을 받았습니다. 여기에 실물 효과(Practical Effect), 즉 CG를 최소화하고 실제 오브젝트와 물리적 장치로 장면을 구현하는 방식을 고집한 것도 결정적이었습니다. 트로이 목마 침입 시퀀스, 외눈박이 거인 키클롭스, 마녀 키르케가 등장하는 장면이 대표적인데, 화면 안의 모든 것이 실제로 그 자리에 존재했다는 확신이 들 때 몰입감이 완전히 달라집니다. 제가 직접 IMAX 상영관에서 봤는데, 키클롭스 장면에서 관객들이 일제...